Palais des Beaux Arts de Lille

Sonia Delaunay et l'art abstrait

2010-06-14T11:55:59Z

A l'occasion du ré-accrochage de l'œuvre majeure de Sonia Delaunay (1885 - 1979) Rythme couleur 1076 qui vient d'être restaurée, le musée expose, dans la Galerie d'actualité (1er étage), un ensemble d'œuvres abstraites issu de ses collections.
Cette restauration fondamentale a nécessité des interventions à la fois sur la couche picturale et le support toile.
Rythme couleur 1076, œuvre particulièrement représentative du travail de Sonia Delaunay (Ukraine, 1885 - Paris, 1979) vient d'être restaurée grâce au mécénat de Sotheby's. A cette occasion, le tableau sera présenté tout l'été dans la galerie d'actualité, aux côtés de quatorze autres œuvres abstraites de la collection du musée. Certaines de ces œuvres n'ont pas été présentées au public depuis la fermeture du Palais des beaux-arts de Lille pour rénovation en 1991.
Parmi cette sélection, retrouvez les œuvres de Serge Poliakoff , Frantisek Kupka mais aussi Alfred Manessier, Maurice Estève et Jean-Michel Atlan. Martin Barré et son élève Christian Bonnefoi complèteront ce panorama de près de quarante ans d'art abstrait dans les collections du musée.

L'œuvre de S.Delaunay, Rythme couleur 1076, a été restaurée grâce au mécénat de Sotheby's.

Nouvelle acquisition !

2010-05-06T13:46:16Z

Nicolas de Largillierre (Paris, 1656 - Paris, 1746)
Portrait de Marguerite-Elisabeth de Largillierre (1701-1756)
1726
Huile sur toile d'origine avec cadre d'époque
H. 81,7 ; L. 65,3 cm
Signé au dos de la toile :"Peint par N. de Largillierre"

La galerie Chardin, située au premier étage du Palais des Beaux-Arts, accueille un nouveau chef d'oeuvre : le "Portrait de Marguerite-Elisabeth de Largillierre (1701-1756)" peint par l'un des meilleurs portraitistes français, sous les règnes de Louis XIV et de Louis XV, Nicolas de Largillierre. Cette nouvelle acquisition bénéficie d'un pedigree exceptionnel, étant demeurée jusqu'à nos jours dans la famille de l'artiste, laquelle s'était alliée au XIXe siècle aux descendants des célèbres sculpteurs Coysevox et Coustou.

Le modèle se révèle être la fille aînée du peintre, Marguerite-Elisabeth, l'année de son mariage, en 1726, avec le commissaire des guerres, Jean-Baptiste Houzé de La Boullaye. Agée de 25 ans, le regard doux mêlé d'une pointe de complicité, la jeune femme pose, vêtue de brocard, de velours et de dentelles ; la chevelure poudrée est parée de pierres précieuses et de perles, symboles du mariage. Les fleurs d'oranger piquées dans les cheveux, et les oeillets blancs et rouges montés en broche comme ornement de corsage renvoient à la pureté des sentiments et à l'amour sincère. Hélas, le mariage sera de courte durée : Marguerite-Elisabeth perdra son époux sept ans plus tard.

Ce portrait vient rejoindre sur les cimaises lilloises une autre œuvre de Largillierre, peinte à l'orée du siècle, en 1704. Jeune marié depuis 1699, le peintre s'était attaché à représenter son beau-père, le paysagiste renommé, Jean-Baptiste Forest (1635-1712), le futur grand-père de Marguerite-Elisabeth. Ces deux chefs-d'oeuvre réunis forment un ensemble unique et remarquable qui s'inscrit dans l'intimité de la famille Largillierre. Ils attestent aussi de la magnificence de son talent de portraitiste, à vingt-deux années d'écart : d'une part, le portrait familier de Forest, interrompu dans son oeuvre pour prendre la pose, et d'autre part, le délicat portrait d'apparat de Marguerite-Elisabeth. Au réalisme à la flamande et à la jovialité du premier, répond l'élégance raffinée à la française et la pudeur de la seconde, la richesse de la gamme chromatique rouge, déclinée en deux tons, insufflant vie et chaleur aux deux modèles.

Acquisition réalisée grâce au mécénat de Groupama.

Bibliographie sélective :
Nicolas de Largillierre, 1656 - 1746, catalogue d'exposition Paris, musée
Jacquemart-André, 2003-2004.
Largillierre, portraitiste du dix-huitième siècle, catalogue d'exposition,
Montréal, musée des Beaux-Arts, 2001.
Dominique Brême, Largillierre, un géant retrouvé, Dijon, 1998.

L'Allée de sculptures

2010-02-22T15:55:01Z

Depuis le mois de décembre 2009, quatre sculptures monumentales ont pris place dans la galerie d'accueil.

Amphitrite, marbre de Valentin-Eugène Déplechin restauré grâce au mécénat de la société des Eaux du Nord, et Pax d'Edgar Boutry, font revivre le talent de deux grands sculpteurs lillois de renommée nationale.

La Proie, marbre de Emile-Edmond Peynot et La Forme se dégageant de la matière, marbre de Gustave-Frédéric Michel, scellent les retrouvailles avec deux artistes célèbres à Paris à la fin du XIX° siècle, dont les œuvres n'ont pas été exposées depuis la fermeture du musée en 1991.

Les dernières restaurations

2009-11-25T15:56:32Z

Attribué à Domenico PANETTI (Ferrare, vers 1460 – ?, avant 1513)

La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Cécile P 781 Huile sur bois, H. 76,5 x L. 54 Achat Morhange, 1887

Le style et le sujet de ce tableau renvoient à l'art de Domenico Panetti, peintre établi à Bologne dans sa phase de maturité, la première décennie du XVIe siècle. La manière douce et sensible visible dans l'attitude rêveuse de la Vierge, la pose naturelle de l'Enfant ou le paysage harmonieux qui s'ouvre à gauche évoquent le classicisme poétique du Pérugin ou de Raphaël. Sainte Cécile, identifiable grâce à son attribut, un orgue positif, est représentée à droite : la patronne des musiciens désigne une partition inscrite sur un cartel. Il s'agit d'un motet, mise en musique d'un psaume dont le texte latin est la clé de cette composition énigmatique : « Fais, Seigneur, que mon cœur soit sans tache afin que je ne connaisse pas la honte ». La sainte au cœur pur est donc une image de la Nativité dépeinte à ses côtés. La restauration de cette peinture à l'huile sur bois, qui l'a dégagée des repeints et du vernis jaune qui l'obscurcissaient, a permis de lui rendre sa lumineuse lisibilité.

Cette restauration a été réalisée grâce au mécénat de Groupama.

Statuette du dieu Amon

Bronze polychrome Provenance : Egypte, Saqqara (?) Basse Epoque (664-323 av. J.-C.) ME 409

Au début du XXe siècle, le Musée du Louvre dépose au Palais des Beaux-Arts de Lille des caisses d'objets provenant de fouilles menées en Egypte, dont un petit torse en bronze. Oublié dans les réserves avec d'autres statuettes du même matériau, il suscite l'attention du conservateur du fait de la présence inhabituelle de résidus sur la surface et de sa qualité plastique.

Une restauration est programmée pour analyser plus finement l'aspect du bronze et préserver tout élément informatif sur l'histoire de l'objet. L'observation sous loupe binoculaire, la radiographie et l'analyse par faisceau d'ions au moyen de l' accélérateur AGLAE ont décelé que le bronze était une fonte creuse élaborée à partir d'un noyau constitué de plusieurs pièces (torse, deux bras, deux jambes, une tête). Sont également apparus des traces brunes d'enfouissement, des résidus de préparation blanche témoignant de la pose de pigments colorés, et même d'infimes particules d'or et de bleu. Tous ces éléments témoignent d'un bronze polychrome d'excellente facture qu'un fidèle a déposé dans l'enceinte d'un temple ou à proximité d'un lieu de culte en signe de dévotion, comme la pratique en était courante au Ier millénaire. La similarité des concrétions de fouilles de notre statuette avec celles trouvées sur d'autres bronzes conservés au Musée du Louvre et provenant de Saqqara suggèrerait une même origine : les fouilles de Mariette au Sérapéum. Les recherches menées dans les réserves du Louvre ont permis la découverte d'une tête pouvant appartenir au torse de Lille. Des cassures similaires à celles observées au niveau du cou de la statuette confirment cette hypothèse. La décision est alors prise de remettre en place la tête. Et du torse anonyme initial émerge une statuette à l'effigie du roi des dieux, Amon.

L'étude, la restauration et le soclage ont été réalisés par le C2RMF et les restauratrices agréées par les Musées de France, Isaure d'Avout-Greck et Shérérazade Bentouati, grâce au mécénat de Proxiad.

Charles Gauthier Chauvirey-le-Châtel, 1831- Paris, 1891

Cléopâtre, 1880

Statue en plâtre patiné ocre. Inv 2008.0.6.35

La restauration a permis de révéler le véritable auteur du plâtre : ce n'était pas le Lillois Albert Darcq (1848-1895), mais le Parisien Charles Gauthier à la carrière officielle fructueuse.

Puissante et sensuelle, la sculpture relate le suicide de Cléopâtre piquée par un aspic : l'Etat l'acquiert au Salon de 1880, l'expédie à l'ambassade de Tunis, puis la dépose à la préfecture de Lille en 1886 et, enfin au musée.

Longtemps en réserves, le plâtre était très empoussiéré et s'écaillait. La restauratrice l'a dépoussiéré pour débuter ensuite un méticuleux travail de dégagement au scalpel des deux premiers badigeons colorés et atteindre ainsi la couche ocre vraisemblablement originelle, posée sur le plâtre ; les éclats sur la base, les nattes et le corps ont été bouchés ; pour finir, la retouche est venue harmoniser les ultimes petits accidents du plâtre patiné ocre.

La restauration de l'œuvre a été assurée par Sabine Kessler, restauratrice agréée des Musées de France, grâce au mécénat des Eaux du Nord.

James Pradier Genève, 1790 - Bougival, 1852

Satyre et bacchante, vers 1830

Statue en plâtre. Inv Sc 51

Propriété d'un élève de Pradier, Lequesne (1815-1887), l'œuvre est donnée à l'Etat qui l'envoie à Lille en 1889. Satyre et bacchante est une œuvre majeure du musée que l'on soupçonnait être le modèle en plâtre du fameux marbre exposé au Louvre et dont la grande sensualité suscita le scandale au Salon de 1834.

De fait, la restauration fondamentale a confirmé l'hypothèse, le plâtre étant jusqu'alors alourdi par les 3 couches de badigeons posées au fil du temps ; leur dégagement a été long et difficile : il a été pratiqué à l'aide de décapants en gel et en liquide puis achevé au scalpel. Des pointes de clou et des croix au crayon, servant de repères pour la taille du marbre, ont ainsi été découvertes. Les fissures comme celle au niveau du bras droit du satyre ont été comblées et de légères retouches ont harmonisé la surface générale.

La restauration a été entreprise par le groupement de restauratrices agréées des Musées de France, Pascale Klein, Véronique Picur et Anne Liégey sous le contrôle du C2RMF à Versailles avec Axelle Davadie. Cette restauration a été réalisée grâce au mécénat de la B.C.M.N.E., filiale du Crédit Mutuel Nord Europe.

Eugène Valentin Déplechin Roubaix, 1852 - Thiais, 1926

Amphitrite, 1893

Statue en marbre. Inv Sc 33

La déesse de la mer pose avec coquetterie et langueur, un dauphin pour attribut, s'ébattant sous ses pieds : la statue vaut à l'artiste une médaille au Salon de 1893. Le modèle en plâtre est exposé au musée de Roubaix. Fixé à Lille, Déplechin connaît une brillante carrière que couronne Le Petit Quinquin, son œuvre la plus célèbre destinée au Monument à Desrousseaux, en 1902 (square Foch, Lille) : la douceur du modelé, la tendresse des traits marquent ces deux effigies féminines.

Amphitrite dormait dans les réserves du musée sous une couche de poussière, les chevilles cassées comme la queue du dauphin. La restauration s'avérait délicate : une fois dépoussiérée, la statue a été soulevée à l'aide d'une tour de levage afin d'emboîter de solides goujons au niveau des chevilles et la cassure de la queue a été bouchée. Le marbre a été ensuite nettoyé à l'eau.

La restauration a été assurée par Daniel Ibled, restaurateur agréé des Musées de France, grâce au mécénat des Eaux du Nord.

Publications scientifiques

2009-08-25T08:16:51Z

Liste des publications scientifiques du Musée des Beaux-Arts de Lille depuis 1999 (hors catalogues d'expositions).

Catalogue sommaire illustré des peintures
Tome II : Écoles étrangères
(Parution avril 1999)
208 pages – 816 illustrations
Prix de vente : 42,69 €
Editions Rmn / Palais des Beaux-Arts de Lille / Ville de Lille

Catalogue sommaire illustré des peintures
Tome II : École française
(Parution juin 2001)
296 pages
Prix de vente : 44,21 €
Editions Rmn / Palais des Beaux-Arts de Lille / Ville de Lille

Catalogue des dessins français du XIXe siècle,
collection du Palais des Beaux-Arts de Lille
(Parution juin 2004)
496 pages – 1750 illustrations
Editions Rmn / Palais des Beaux-Arts de Lille / Ville de Lille
Prix de vente : 89 €

Maniéristes du nord dans les collections du Palais des Beaux-Arts de Lille
(Parution septembre 2005)
96 pages
Somogy éditions d'art
Prix de vente : 20 €

Le Palais des Beaux-Arts, Lille
(Parution septembre 2006)
136 pages ; 150 illustrations couleur ; disponible en français et en anglais
Editions Musées et Monuments de France - Fondation BNP / Paribas
Prix de vente : 23 €
(Diffusion et distribution : Rmn)

Les plans en relief des places fortes du nord dans les collections du Palais des Beaux-Arts de Lille
(Parution octobre 2006)
96 pages
Somogy éditions d'art
Prix de vente : 20 €
Avec le mécénat du Crédit agricole nord de France.

Catalogue des céramiques du Palais des Beaux-Arts de Lille
(Parution août 2008)
516 pages
Editions d'art IAC
Prix de vente : 45 €
Avec le mécénat de Dubly-Douilhet et du Crédit immobilier de Lille et des pays du nord.

Catalogue sommaire des sculptures, médaillons et moulages des XVIIIe et XIXe siècles
(Parution septembre 2009)
400 pages, 1140 illustrations
Editions Rmn
Prix de vente : 75 €
Avec le mécénat de Vallourec.

Plan du Musée

2009-03-10T12:21:42Z

Plan du musée et des expositions (Avril - Juillet 2010),

Le Plat de reliure Dormeuil

2008-04-17T09:54:02Z

Cuivre champlevé, émaillé, gravé, ciselé, doré.
Limoges, vers 1200.
Inv.2008.1.1

D'une qualité remarquable, le Plat de reliure (destiné à l'ornement de la couverture d'un manuscrit) rehausse considérablement les collections d'orfèvrerie limousine, expression artistique majeure à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle.
La composition du plat est encore romane. Le Christ, sans couronne, la tête inclinée, les yeux mi-clos, défaille. Son corps fléchit suivant la "courbe byzantine" et ses cheveux s'épandent en longues mèches sur ses épaules. La position de la Vierge qui contient sa douleur en serrant d'une main l'autre poignet s'inscrit dans la tradition byzantine.
A la différence des techniques d'enluminure, l'émail permet non seulement l'emploi de la couleur mais aussi de la technique de la sculpture. Les têtes des personnages sont, en effet, réalisées en relief à partir d'une feuille de cuivre.

Il a été acquis en vente publique en novembre 2007.

Cette acquisition a obtenu le soutien de la Ville de Lille, de l'Etat-Fonds du Patrimoine et sera présentée au FRAM. Elle a été réalisée grâce au mécénat du Crédit du Nord.

La croix reliquaire

2008-04-17T09:49:32Z

Ame de noyer, argent doré, argent niellé
40 x 18,5 x 2,8 cm
Achat, 1896
Inv. A. 97

Cette croix-reliquaire appartient à un important groupe de pièces d'orfèvrerie, dont l'exemple le plus ancien est la croix offerte par Philippe Auguste (1165-1223), à l'abbaye de Saint-Denis en 1205. Ces reliquaires ont été réalisés dans la première moitié du XIIIe siècle pour abriter les reliques de la Vraie Croix rapportées de Terre Sainte par les croisés après le sac de Constantinople, en 1204. Cette croix de procession était autrefois fixée sur une hampe : la relique se trouvait dans sa partie supérieure, elle est aujourd'hui remplacée par une petite croix en argent. Sur l'avers, les figures de saint Jean et la Vierge, l'Eglise et la Synagogue sont inscrites dans des médaillons en argent niellé. Le revers est constitué d'un exceptionnel groupe de huit plaquettes représentant Dieu le Père, l'agneau mystique, deux anges et les symboles des quatre évangélistes. La pièce, provenant de Wasnes-au-Bac s'inscrit dans la remarquable production qui marque l'époque de Jeanne de Constantinople (1200-1244), comtesse de Flandre et de Hainaut.

La Trinité, Jacomart (Jaime de Baço dit)

2008-04-15T15:37:15Z

La Trinité
Huile sur bois
160 x 100 cm

Au XVe siècle, des retables monumentaux ornent les murs des chapelles. La trinité, dit Jacomart, peintre officiel du roi Alphonse V d'Aragon, puis de Juan II, constituait le pinacle d'un polyptyque, adossé à un mur derrière l'autel d'une église. Le Trône de Grâce, image du salut par excellence, est traversé par un arc-en-ciel, signe de l'alliance de Dieu avec la terre. La colombe du Saint Esprit relie le Père et le Fils crucifié. Le style de Jacomart doit beaucoup à l'art flamand importé, mais reste fidèle à la solenelle sévérité byzantine.

Les lustres de Gaetano Pesce

2007-06-20T15:28:05Z

Une commande publique qui fait entrer l'art d'aujourd'hui au musée.

C'est sur invitation des architectes Jean-Marc Ibos et Myrto Vitart, que Gaetano Pesce a imaginé l'illumination de l'entrée du musée et ainsi restituer la fonction d'accueil qui convient à cet espace. L'artiste s'est attelé à une œuvre qui ne pouvait être que monumentale, en effet, ces oculi ne mesurent pas moins de 7 mètres de diamètre. Il faut savoir que Gaetano Pesce a résidé au Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Plastiques de Marseille, où il s'est familiarisé avec la technique de thermoformage qu'il a largement utilisé pour cette réalisation tout en y apportant le fruit de ses recherches sur la transparence ainsi que son expérience de l'objet. Ces volumes de verre coloré sont comme un signe d'opulence mais également d'attention généreuse portées aux visiteurs comme aux passants. L'installation de Pesce, riche et baroque à sa manière, illustre puissamment l'art d'aujourd'hui dès l'entrée du Palais. Ainsi, on rejoint le passé et le présent au sein du musée rénové de façon spectaculaire, tout comme le sont les œuvres de Pesce.

Quelques données techniques :
Poids de chaque lustre : 3600kg.
Surface totale des tuiles de verre (par lustre) : 263 m2
L'ossature métallique d'un lustre a nécessité plus de 900 heures de travail
L'éclairage de chaque lustre se compose de 54 points basse tension de 50W reliés par 400 mètres de cablage

Ces commandes publiques ont été mises en œuvre par la ville de Lille, avec le soutien du Ministère de la Culture, délégation aux Arts Plastiques.